Nas colaborações entre arte e moda há momentos em que os estilistas se tornam artistas, e os artistas se tornar estilistas, ou ambos se tornam algo completamente diferente. As artes plásticas e a moda não só foram responsáveis pelas novas tendência e mudanças sociais, mas seu relacionamento mútuo também é um reflexo da sociedade como um todo. Talvez algumas intervenções e colaborações são mais bem sucedidas do que outras, mas o que é essencialmente importante é a mistura e os fantásticos resultados que surgem da colaboração dessas mentes altamente criativas.

No passado uma das mais famosas colaborações entre estilistas e artistas foram entre Paul Poiret e Raoul Dufy, e Elsa Schiaparelli e Salvador Dalí. Mas nos anos seguintes, muita coisa mudou. Há muita diferença entre as primeiras colaborações do século XX, de pequenas coleções de alta costura destinados a boêmios ricos com e seus equivalentes contemporâneos: colaborações de grifes de luxo que valem vários bilhões de dólares com artistas de primeira linha para traduzir o seu trabalho em produtos fabricados industrialmente e distribuídos globalmente .

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Foi Paul Poiret (1879-1944), um fundador da moda no século XX, que em 1909, impressionado com os desenhos de estampas padronadas que apareciam com frequência nas obras do artista Raoul Dufy, lhe encomendou dois temas para estampados. Poiret foi o primeiro criador da alta costura a utilizar tecidos estampados por impressão, já que até então as estampas utilizadas nos atelies de moda burgueses eram produzidas por tramados e bordados. Iniciou-se então uma grande parceria do desenho de Raoul Dufy com a moda de Paul Poiret, além de criações exclusivas para a luxuosa camisaria “Charvet” de Paris.

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Um dos exemplo mais proeminentes do início da colaboração entre artista e estilistas é o trabalho de Elsa Schiaparelli com Salvador Dalí e os surrealistas. A vanguardista estilista italiana da década de 1930 criou coleções de moda inspiradas por e, em alguns casos, concebidos em colaboração com um grupo de surrealistas, incluindo Jean Cocteau, Christian Bérard, e o próprio Salvador Dalí. Enquanto a arte de Bérard e Cocteau serviu mais como uma inspiração para as criações independentes de Schiaparelli, Dalí e Schiaparelli produziram os primeiros híbridos entre vestuário e arte de uma forma colaborativa.

A parceria resultou em duas das peças mais emblemáticas da Schiaparelli da década de 1930, o vestido de organza com lagosta Pintada (1937) e o vestido Lágrima (1938), bem como o famoso chapéu de sapatos de sua coleção Inverno 1937. Estes projetos são frequentemente citados como um marco na história da arte e da moda. Em sua autobiografia, Schiaparelli declarou-se antes de tudo uma artista, e ela encarava o que fazia não como uma profissão, mas uma arte. O fato de que ela buscava inspiração nas obras de artistas de vanguarda do movimento surrealista, apareceu nos temas surrealistas em suas coleções de roupas e acessórios.

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Os estudiosos concordam que a década de 1960 marcou um ponto de viragem importante na relação entre arte e moda, especificamente com a evolução da Pop Art. Artistas pop afrouxaram a distinção entre alta e baixa cultura, adotando imagens e inspiração da cultura popular em uma rebelião contra o domínio do expressionismo abstrato. Artistas na década de 1960 experimentaram novas mídias, invocado a moda para refletir suas próprias personalidades, e promovendo o conceito de que qualquer coisa, até mesmo itens produzidos em massa poderiam se tornar arte.

Os designers de moda na década de 1960, simultaneamente, se aventuraram em uma missão para democratizar a moda, erradicando a sua associação com a elite das artes, encontrando inspiração na cultura popular. Assim, a moda e a arte se uniram por meio de metas comuns de fazer o seu trabalho acessível às massas e rejeitando tradições do passado.

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Na vanguarda do movimento que une arte e moda estavam Andy Warhol e Yves Saint Laurent. Warhol começou sua carreira como ilustrador para revistas de moda e grandes lojas de departamento. A serigrafia de Warhol chamada Campbell Soup levou a empresa de sopas a colaborar com o artista na série de vestidos descartáveis feitos de papel de 1966-1967, sob o título “The Souper Dress“, que são os antecedentes do moderno consumismo do fast fashion. Yves Saint Laurent, enquanto isso, estava notavelmente inspirado pelas belas artes para seu vestido Mondrian de 1965.

Assim como os artistas da art pop se apropriaram dos anúncios e cultura de consumo em seus trabalhos, a referência de Saint Laurent de Mondrian era igualmente evidente. No ano seguinte, Saint Laurent se inspirou nas pinturas Pop Art de Tom Wesselmanpara  para o Outono / Inverno 1966-1967.

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Um momento crucial para a moda veio em 1982, quando o então editor da revista Artforum, Ingrid Sischy, colocou uma imagem de uma modelo vestindo uma roupa do designer Issey Miyake na capa da edição de fevereiro da revista, elevando o status da moda e sua aliança com arte avançada. A partir desse momento a moda começou a ser apresentada em exposições nos mais diversos museus, um forma de reconhecimento de que a moda é uma forma digna de expressão cultural.

O Metropolitan Museum of Art em 1983 fez uma retrospectiva do trabalho de Yves Saint Laurent com curadoria de Diana Vreeland, que foi um evento inovador, apresentando radicalmente a moda atual ao invés de trajes históricos. Daquele ponto em diante, os principais museus de todo o mundo cada vez mais começaram a organizar exposições de moda, e hoje, estas exposições temáticas e / ou retrospectivas são um sucesso de público.

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Com os museus cada vez mais abrindo exposições de moda, os próprios estilistas foram levados para mais perto da prática artística. Como é o caso de designers de vanguarda como Paco Rabanne, que na década de 1960 experimentou com novos materiais que  não eram considerados adequados para a moda de luxo, como o plástico e metal.

Pensando mais tematicamente sobre cada nova coleção, designers como Hussein Chalayan, Viktor & Rolf, Rei Kawakubo da Comme des Garçons, Mason Martin Margiela, e Yohji Yamamoto enfatizavam o aspecto conceitual e muitas vezes davam pouca atenção para o lado comercial da sua prática. Como a moda conceitual amadureceu, as exposições de museus e os desfiles se tornaram locais igualmente importantes para a exibição de moda na década de 1990.

Em um esforço para rejeitar as associações comerciais da indústria do vestuário, o desfile de moda evoluiu para um novo híbrido da performance artística, tal como nas super produções de ficção científica de Alexander McQueen. Artistas no final dos anos 1980 começaram a olhar para a moda e o marketing de moda como inspiração, e muitas vezes incorporaram objetos de moda em sua arte ou as usou para transmitir a mensagem por trás de sua arte. Esta prática foi defendida por artistas como Sylvie Fleury, Cindy Sherman, Vanessa Beecroft, e Barbara Kruger.

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Em 2001, Marc Jacobs colaborou com o artista Stephen Sprouse em uma linha de bolsas cheias de grafite para Louis Vuitton, resultando em edições esgotadas em todo o mundo e aumento da demanda por produtos semelhantes. Esta parceria gerou uma tendência nas colaborações entre designers de moda e artistas, resultando em uma avalanche de alianças semelhantes ao longo da última década. Não parece que as colaborações entre os artistas e as grifes de moda de luxo vá diminuir num futuro próximo, e só se pode olhar para a frente para ver como os gênios criativos do nosso tempo continuam a trabalhar juntos em empreendimentos exclusivos e inovadores.

Muitos estilistas não são apenas inspirados por seus artistas favoritos, mas também prestar-lhes homenagem apresentando suas obras em seus projetos. Quando você ama as duas disciplinas, não há nada melhor do que ver uma modelo andando na passarela vestindo roupas com estampas e bordados de obras de arte, fazendo as pinturas assumirem uma vida própria.

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Rodarte e “Girassóis” de Van Gogh

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Dior Alta Costura e “O Beijo” de Klimt

Outro ocasiões em que a moda e a arte se mesclam é quando os fotógrafos são inspirados por grandes obras de arte para os seus editoriais de moda. Desde as esculturas da Grécia antiga, mesmo a arte mais abstrata, todos eles servem de inspiração ao criar uma história para uma revista. Retratos bem conhecidos como “Moça com Brinco de Pérola” de Johannes Vermeer, um dos melhores pintores flamengos do século XVII, pode ressuscitar quando Laetita Casta é fotografada por  Friedmann Haus.

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Na exposição “Vogue like a Painting“, no Museu Thyssen Bornesmisza em Madrid, são apresentadas fotografias feitas pelos principais nomes do setor, como Peter Lindbergh, Mert & Marcus e Patrick Demarchelier.

A exposição, cuja cronologia abrange quase um século, não cumpri critérios rigorosos, mas é regada com alguma liberdade, e com base no humor e memórias um pouco vagas. Muitas das fotografias são uma reminiscências de imagens ou artistas individuais: Vermeer, Hopper, Millais, Balthus, Van Eyck, Botticelli, Zurbarán, Degas, Sargent, Dalí, Hogarth, Rossetti e Magritte.

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Carmen como Santa Isabel de Zurbarán , por Michael Thompson em 2000, foi inspirado pela pintura de Francisco de Zurbarán de St Elizabeth de Portugal de 1640 (óleo sobre tela, à esquerda)

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Mert & Marcus para “Vogue like a Painting”

Outra forma em que arte e moda se unem podem ser encontrados em sites das redes sociais. Há inúmeros blogs e contas de Instagram em que pessoas anônimas tiram fotos comparando obras de arte e vestidos de passarela. Um dos relatos mais populares é artlexachung. Aqui podemos ver muitas fotos da it-girl britânica fazendo comparações com pinturas de pintores famosos mantendo algum tipo de semelhança.

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Alexa Chung e “Sweet Summer”, de John William Waterhouse

A arte e a moda estão unidas desde o início dos tempos, fazendo-nos apreciar e descobrir coisas novas sobre estas duas disciplinas maravilhosas. A moda teve o seu reconhecimento em grande parte devido ao vínculo de inspiração e respeito que a une a arte. Como Andy Warhol disse certa vez, “Fashion is more art than art is

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